SOYUT SANAT: TARIH, ÖZELLIKLER, RESIM - SANAT - 2026

Sanat doğal için tamamen farklı bir alan yaratmak amacıyla, herhangi bir gerçek temsili ayrılmasının bir sanattır. Bu soyutlama hissi, farklı geometrik şekillerin yanı sıra noktalar, çizgiler ve saf renkler kullanılarak elde edilir.

Sanatsal bir akım olarak soyutlama, figüratif olmayan sanat olarak da bilinir; Bu, bu tarzın geleneksel temsili sanatla hiçbir bağlantısının olmadığı anlamına gelir. Buna rağmen, gerçeklikten bu uzaklık onun inkarı anlamına gelmez, aksine bir muhalefet veya bir karşıtlık önerir.

Süvari, Wassily Kandinsky, 1911

Uzmanlara göre soyut sanatı anlamak için figürasyon ile soyutlamayı birbirinden nasıl ayırt edeceğinizi bilmek gerekir çünkü bunlar tamamen zıt kavramlardır. Bu nedenle bu sanatsal kavramlar özümsendiğinde soyut bir yapıt ile figüratif bir yapıt arasında ayrım yapmak kolaydır.

Soyutlama ve figürasyon

Soyutlama olgusu, yaratılan öğeyi gerçekte var olan herhangi bir unsurla ilişkilendirmek mümkün olmadığında ortaya çıkar.

Örneğin, bir ağacın görüntüsü alınırsa ve bulanıklaştırılırsa veya değiştirilirse, bu sanatsal oyun soyutlama olarak kabul edilemez, çünkü görüntü hala orijinal figürün özünü koruyor; yani mecazi kalır.

Öte yandan, gerçek referansı olmayan görüntüler soyutlama olarak alınabilir. Soyut sanat alanında geometrik soyutlama, biçimcilik ve dışavurumcu soyutlama gibi çeşitli yönler vardır. Bununla birlikte, bunların hepsi gerçek referansın yokluğuyla ilgilidir.

Rüyalarla ilgili figürler soyutlama olarak da değerlendirilemez, çünkü rüyalarda ve kabuslarda gerçeküstü görüntüler ortaya çıkabilse de (örneğin tek boynuzlu at), gerçekte bulunabilecek referansları sürdürmeye devam ediyor (durumda tek boynuzlu at, boynuzlu bir at).

Figüratif dünyaya uzaklık

Soyutlamacılık, sanatsal dünyayı kökten değiştirdi, çünkü bu olaydan önce sanat, 19. ve 20. yüzyıllarda izlenimcilik gibi diğer akımlarla formun bulanıklaşmaya başlamasına rağmen figürasyonun vesayeti altında tutulmuştu. , Post-Empresyonizm ve Kübizm.

İnsanın mağaralarda resim yaptığı zamandan beri sanat, gerçekliği temsil etme arayışı olarak kaldı.

20. yüzyıla kadar sanatçı kendisini çevresinden ve bağlamından koparmamıştı, bu nedenle soyut sanat, büyük toplumsal değişimler ve estetik yenilenmeyi amaçlayan tarihsel bir anın bilgisinde bir açılım sağladı.

Soyutlama müzikle ilişkilendirilebilir, çünkü sesler mecazi olamaz (müzikal terminolojiye rağmen). Renkler ve şekiller de soyuttur ve gerçek bir gönderene sahip olması gerekmeyen çok çeşitli olasılıklar sunar.

Kökeni ve tarih

Soyut sanatın kökenleri Kübizm ve Fovizm gibi daha önceki akımlara dayanıyor; ancak, özellikle gerçek nesnelerin temsili ile renklerin görsel algılanması arasındaki ayrımın başlangıç ​​noktası olarak hizmet eden bir resim vardır.

Ressam James McNeill Whistler'a ait olan bu çalışma Night in Black and Gold: The Falling Rocket adını almıştır. 1874'ten kalma bu resimde bir dizi koyu renk görebilirsiniz ve insan formlarını veya mimari yapıları doğrudan bulmak zordur.

Işık ve gölgenin fırça darbeleri ile bir havai fişek gösterisini çağrıştıran altın noktalar kolayca takdir edilebilir.

Kübizm, Ekspresyonizm ve Fovizmin Etkisi

Pablo Picasso ve Georges Braque'nin eserlerinin ortaya çıkmasıyla geometrik formlara ve düz renklere güçlü bir giriş sağlandı. Benzer şekilde, Paul Cézanne da alternatif bir gerçeklik yaratma girişiminde bulundu; yani figüratifin yeniden inşası üzerinde çalıştı.

Buna karşılık, dışavurumcu sanatçılar, renk paletinin ve şekillerin yoğunluğundan - grotesk bir şekilde bile - yararlanmayı kendilerine yüklediler. Resimleri eleştirmenler tarafından büyük bir sosyal şaşkınlık döneminden önce gerici bir şekilde tezahür eden bir tutku taşması olarak görülüyor.

Benzer şekilde, Edward Munch'ın The Scream gibi bir çalışması, daha sonra 20. yüzyılın soyut veya figüratif olmayan sanatı haline gelen şeyin geliştirilmesi için gereklidir. James Ensor'un Mesih'in Brüksel'e Girişi adlı tablosu da dikkate alındı.

Paul Gauguin, Henri Matisse ve Georges Seurat gibi diğer büyük avangart üsler, daha sonra soyutçuluğun en büyük temsilcisi olan Vasili Kandinsky için önemli bir ilham kaynağı olarak kabul edilir.

Bunun nedeni, ham rengin dilinin, farklı fırça darbeleriyle birlikte, ünlü öncüyü güçlü bir şekilde etkilemesidir.

Baudelaire'den Mallarmé'ye: kendisini referanstan uzaklaştırmaya çalışın

Yazı dünyasında, yerleşik herhangi bir gerçek referansı kırmak ve sona erdirmek amacıyla farklı hareketler de demleniyordu. Harfler alanında, bu ayrım biraz daha zordu, çünkü insan zihninde kelimeler her zaman referanslarıyla desteklenmeye çalışacak.

Ancak bu şairler, kendilerini atıfta bulundukları kavramdan kopararak, kelimenin akustik imgesi aracılığıyla formun içselliğiyle bağ kurdular.

Büyük modern şair Charles Baudelaire, tüm duyuların belirli sanatsal uyaranlara tepki verdiği fikrinin tohumlarını ekmekten sorumluydu, çünkü bunlar insanoğlunun bilinçaltında bulunan derin bir estetik düzeyle bağlantılıydı.

Diğer bir deyişle, tüm sanatlar, gerçek bir gönderene cevap verme ihtiyacı duymadan, onları algılayan kişinin gözünde, kulağında ve zihninde belirli hisleri uyandırma yeteneğine sahiptir.

Aynı şekilde, Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud ve Guillaume Apollinaire gibi ünlü Fransız şairleri, kelimelerin sesinden zevk almaya ve okuyucunun bir kavramı.

Bu, okuyucunun zihinsel yapısını değiştirmekle ilgili olduğu anlamına gelir, böylece kendisini yerleşik parametrelerden ayırır ve hecelerin sesi aracılığıyla farklı hisleri birleştirmeye ve yaratmaya cesaret eder. Dolayısıyla yazı içinde bir soyutlamadır.

Claude Debussy'nin müzikal suluboyaları

Daha sonra soyut sanatın müzikal selefi, müzikal parçaları Empresyonist ve Post-Empresyonist ressamların fırça darbelerini taklit ediyor gibi görünen büyük besteci Claude Debussy'dir.

Aynı şekilde, bu besteci aynı zamanda Sembolist hareketle de ilişkilidir, çünkü notları güçlü bir alegorik yükten oluşuyordu ve buna da dikkate değer bir oryantal etki eşlik ediyordu.

Bu, Debussy ve Erik Satie gibi müzisyenler için günlük yaşamda gözlenen nesnelerin yalnızca çok daha derin bir gerçekliğe cevap veren, kendini renk ve hareketin eşlik ettiği ses aracılığıyla insana gösteren semboller olduğu anlamına gelir. .

Soyut sanatın özellikleri

Özü yakalamaya çalışır

Soyutlama hareketi, farklı yönleri olmasına rağmen, esas olarak nesnelerin ilkel özünün araştırılmasıyla karakterize edilir.

Bu nedenle soyut sanat, sanatsal tezahürlerinde bilinç ve bilinçsizliğin en saf seviyelerinde keşfedilmesini yakalamaya çalışır.

özgürlük

Temel özelliklerinden bir diğeri de tekniklerin ve unsurların uygulama özgürlüğü ve bu kaynakların önemi.

Örneğin, bu renk alanında açıkça geçerlidir: renkler, gerçek bir konsepte başvurmaya gerek kalmadan kendi sanatsal ifadelerine sahiptir.

Gerçek formların yokluğu

Soyutlamacılık gerçek biçimlerden yoksundur; Bütüncül bir form sadeliğine hitap eden bir stil olduğu için sadece geometrik şekiller kullanılır.

Boyama

-Vasili Kandinsky

Birçok eleştirmen için soyut sanat, Vasili Kandinsky'nin eserleriyle başlar; Ancak, 1910'da soyutlamanın başlangıcı olarak düşünülebilecek bazı Fransız damarlı mermerlerin ünlendiğini belirtmek gerekir.

Ancak uzmanlara göre Kandinsky'nin sanat tarihi içindeki önemi yadsınamaz. Bu ressam, eserlerine ilham kaynağı olarak kullandığı bir doğu kanı mirasına sahipti.

Ayrıca aynı sanatçı, Moskova'nın efsanevi katedrallerinden ilham aldığını itiraf etti; Ona göre şehrin renkli mimarisi, uyumlu bir estetik ve kültürel içselliği yansıtan dış görünüşte sanatsal çatışmalardan oluşuyordu.

Sanatsal çalışmaları sırasında Kandinsky, formun ilkel özünü araştırmayı savundu. Bu nedenle çalışmaları üç kelimeyle özetlenebilir: renk, algı ve duyum.

Sonuç olarak, soyut sanatın, mutlakın mistik bir koşulunu öngören bir taviz olduğu tespit edilebilir; yani, sürekli bir ideolojik ve felsefi evrime bağlıdır.

Süvari, Vasili Kandinsky

İlk soyut suluboya

Yazar, bu üç varsayımın estetik bütünlüğünü elde etmek için, resimsel çalışmadaki ana öğe olan nokta, çizgi, düzlem ve renk gibi temel plastik öğelerin kullanımını teşvik etti.

Bu unsurlar arasındaki ilişkiler ve bağlantılar aracılığıyla, insan gözü için yeni ve farklı algılar veya hisler edindi.

Bu dikkate alındığında soyut sanatın 1910 yılında Kandinsky'nin ilk soyut suluboya ile doğduğu söylenebilir. Bu resimde gerçekliklerle ilişkilendirilmeden renkli formlar, çizgiler ve plastik değerleri görebilirsiniz; Yani figüratif olmayan unsurlardan oluşan bir eserdir.

Ayrıca izleyici bu işe yakından bakarsa resmin çoğunlukla mavi ve kırmızı olmak üzere birincil ve ikincil renklerden oluştuğunu algılayabilir. Grimsi tonlardaki fırça darbeleri de ön plana çıkarak diğer renklerin canlılığı ile kontrast oluşturuyor.

Kandinsky soyut suluboya

-Piet Mondrian

Bu ünlü Hollandalı ressam, başlangıçlarında soyutlama konusunda uzmanlaşmadı, ancak önce natüralizm ve sembolizm gibi diğer stiller üzerinde çalıştı. Çok sayıda üslup olmasına rağmen, plastik sanatları felsefi ve ruhsal çalışmalarından etkilenmeye devam etti.

Mondrian, şeylerin hayati özünü bulma arayışında, resimlerinde evrenin temel yapılanmasını bulmak için geometrik soyutlama ile belirli bir şekilde oynadı.

Bu nedenle, eserleri ağırlıklı olarak ışığın ve tüm renklerin toplam varlığından dolayı “renksiz” olarak kabul edilen beyaz renkle ve yine “hayır- ışık yokluğu ve tüm renklerin varlığı nedeniyle "renk".

Soyut mimariyle de bağlantılı olan en ünlü eserlerinden biri, 1921'de yaptığı kırmızı, sarı, mavi ve siyah Kompozisyon adlı resimdir.

Bunda farklı boyut ve renklerde bir dizi dikdörtgen figür görebilirsiniz; Bununla birlikte, palet oldukça basit ve birincildir: adından da anlaşılacağı gibi, dışavurumcu Mark Rothko'nun resimlerini anımsatan kırmızı, sarı, mavi ve siyah renkleridir.

Kırmızı, sarı, mavi ve siyah kompozisyon, Piet Mondrian

Heykel

Soyutlamacı hareket içinde heykel çok geride değildi; aslında, stil içinde bir yenilik getirdi: üç boyutluluk. Bunun nedeni, soyut resimde figürlerin daima düz olması, heykelde formun derinliğinin teşvik edilmesidir.

-Henry Moore

Aynı sanatçıya göre, ana temsilcilerinden biri, monokrom figürleri hareket ediyor gibi görünen ve hafif bir romantik ve Viktorya döneminden ilham alan İngiliz heykeltıraş Henry Moore'du.

Moore ayrıca Giotto, Michelangelo ve Giovanni Pisano gibi büyük Rönesans sanatçılarından etkilendiğini de kabul etti. Ek olarak, yazar Kolomb öncesi Toltec ve Maya heykellerinin formlarına hayran kaldı.

Birçok soyut formu ağırlıklı olarak mermer ve bronzdan oyulmuştur. Moore kariyerinin başında doğrudan oymacılık uyguladı; ancak, 1940'larda heykeltıraş alçı veya kil kalıplama ile başlamaya karar verdi ve ayrıca geleneksel ve antik "kayıp mum" kalıplamayı da uyguladı.

Dalgalar

Heykellerinin ana özelliği dalgalı formların ve boş alanların kullanımıdır, eleştirmenlere göre anavatanı Yorkshire'ın İngiliz ilçesinin manzaralarından edindiği bir ilham kaynağıdır.

Soyut resim, figüratifin ortadan kaldırılmasını savunmasına rağmen, Henry Moore'un çalışmalarında insan figüründen tamamen kopuk olmayan soyutlamalar algılanabilir. Kadın bedeni ile anne figürlerinin temsilini bile ayırt edebilirsiniz.

Moore'un en iyi bilinen eserlerinden biri Toronto City Hall Plaza'da bulunan ve 1964'te yapılan Three Way Piece No. 2'dir.

Bu monokrom heykelsi parça, şekli herhangi bir gerçek referansla doğrudan ilişkilendirilemeyeceği için soyutlama ilkelerine en uygun olanlardan biridir.

Üç Yollu Parça No. 2 (Okçu) (1964-65) Toronto Belediye Binası Plaza

-Richard Serra

Soyut heykelin bir diğer büyük temsilcisi, Amerikan uyruklu ünlü plastik sanatçısı Richard Serra'dır. Hala hayatta olan bu sanatçı, eleştirmenler tarafından zamanımızın en iyi heykeltıraşlarından biri olarak kabul ediliyor.

Serra, estetik çalışmasını daha da hayranlık uyandıran devasa platin çelik parçalarıyla çalışmayı tercih eden minimalist karakterli bir heykeltıraş.

Sanatçının ilk aşaması, çoğunlukla erimiş kurşun malzeme kullandığı soyutlamacı ideallere en iyi uyan aşamadır.

Çelik işleri

Ayrıca büyük dikdörtgen çelik yapılar yaptığı biliniyor. En ünlülerinden biri, 3,5 metre yüksekliğindeki ve düşündürücü ve ince bir eğriliği olan sözde Eğik Ark'dır. Bu heykel bugün New York City'deki Federal Plaza'da görülebilir.

Sanatsal eleştirmenler tarafından çok beğenilen bir başka soyut heykel, aynı zamanda bir eğriliğe sahip olan üç çelik tabakadan oluşan Yılan olarak bilinir (geometrik şekiller içindeki eğriler, bu sanatçının en temsili özellikleridir). Eser Guggenheim Müzesi Bilbao'da bulunuyor.

Serra'nın en tanınmış ve en çok çalışılan eserlerinden biri, sanatçının tercih ettiği malzeme olan corten çelikten yapılmış yedi dikkat çekici büyük heykelden oluşan The Matter of Time'dır.

Doğanın şekillerini ve zamanın bir insan yapısı olarak yuvarlak ve aldatıcı karakterini anımsatan bu figürler tamamen yuvarlak ve eğik şekillerden oluşuyor.

Eğik Ark

Mimari

20. yüzyılda, mimari disiplin içinde öz ve ilkel biçimler arayışı da tezahür etti. Bu nedenle soyut mimaride geometrik ve düz figürler hakimdir, yine minimalist tarzda gerçekleştirilir.

Aynı zamanda, bu estetik stile ait mimari, formun gerçek değerine yaklaşmaya, onu kaostan ve gündelik gerçekliğin keyfiliğinden ayırmaya çalışıyor. Bu unsurların içinde, mimari parça doğadan ilham alır, ancak sanatsal ruhun sadeliğini arayışında giderek daha fazla ortaya çıkar.

Mimaride resimsel soyutlamanın ilkelerini ayarlamak gerekir, çünkü heykel gibi üç boyutlu bir biçim gerçekleştirilmesini gerektirir. Ayrıca alt yapı yapılmadan önce sanatçının üretmek istediği formun somut gerçeklikte gerçekleştirilip gerçekleştirilemeyeceğini sorgulaması gerekir.

Genel olarak soyut mimari, büyük dikdörtgen pencerelerin yanı sıra basit ve sağlam kare şekillerden oluşur.

-Mies van der Rohe

En tanınmış soyut mimarlardan biri, modern mimarinin en önemli sanatçılarından biri olarak tarihe geçen Alman-Amerikan Mies van der Rohe'dir. Önemli Alman Bauhaus okulunun müdürüydü; ancak Nazizmin girmesi nedeniyle görevden ayrılmak zorunda kaldı.

Mimarisi, basitliği ve netliği, soyutlamacılığın çok tipik özellikleri ile tanınır. Dahası, sanatçının tercih ettiği malzemeler, cephenin iç mekanlarında kullandığı endüstriyel çelik ve dikkat çekici cam levhalardı.

En ünlü eserlerinden biri Barselona'da bulunuyor ve adını 1929'da tamamlanan Alman Pavyonu'ndan alıyor. Mimarisi sade geometrik figürlerden oluşuyor ve mütevazı boyutuyla dikkat çekiyor. Serbest bir bitkiden oluşur ve Neoplastikizmin dikkate değer etkilerini korur.

Alman Pabello. Tassilirosmar, Wikimedia Commons'tan

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld, sadece mimaride değil aynı zamanda marangozluk ve tasarımda da öne çıktığı için farklı yönleri olan ünlü bir plastik sanatçısıydı. 1918'deki Kırmızı ve Mavi Sandalye gibi kap tasarımları, modern ve geometrik karakteri zamanın tipik bir unsuru olarak ifade ediyor.

En ünlü mimari eseri ve en çok soyut estetiğe benzeyen 1924 yılında inşa edilen sözde Rietveld Schröder Evi. Bugün burası müze olarak kullanılıyor.

Özelliklerine gelince, evin hem içi hem de dışı önceki tüm mimari parametrelerle bir değişimi ifade ediyor; dolayısıyla işin önemi.

Evin içinde oda yok, sadece geniş bir açık alan var. Dış cephe, farklı bir şey yaratmak için aralıklı ve renklendirilmiş çizgi ve düzlemlerden oluşur.

Rietveld Schröderhuis. Basvb, Wikimedia Commons'tan

Müzik

İlk paragraflarda bahsedildiği gibi, notalar için sembolik bir adlandırmaya sahip olmasına rağmen figüratif olamayacağı için müziğin kendisinin soyut olduğunu hatırlamak önemlidir.

Dolayısıyla soyut müzik, sanatsal bir hareket olarak var olamaz. Ancak mutlak müzik adıyla anılan, fazladan müzikal katkısı olmayan müzik eserlerinden oluşan bir müzik türü vardır; yani, herhangi bir metne bağlı değildirler.

Başka bir deyişle, mutlak müzik şiir ve sözlerden yoksundur, yalnızca enstrümantal bir bestedir; bu nedenle, lirikten yoksun tüm müzikler bu türe ait kabul edilebilir. Bazı örnekler sonatlarda, senfonilerde veya bir konserde bulunabilir.

20. yüzyılda müzikal sanatsal yenilikleriyle öne çıkan ve soyutlamanın başlangıcına denk gelen birkaç besteci vardı. En önemlileri arasında Igor Stravinsky ve Maurice Ravel var.

-Igor Stravinsky

Stravinsky, 20. yüzyılın en iyi müzisyenlerinden biri olarak kabul edilen bir Rus ulusal şef ve besteciydi. 89 yaşına kadar yaşadığı için farklı müzikal yönleri keşfetme fırsatı buldu; ancak en tanınmış eserleri, sanat kariyerinin ilk yıllarında yapılan işlerdi.

En beğenilen bestelerinden biri, 1910'da Paris'te ilk kez prömiyeri yapılan The Firebird balesi.

-Maurice Ravel

Claude Debussy gibi, bu ünlü Fransız besteci, oryantal etkileri ve renklerin sesler aracılığıyla çağrıştırılmasıyla karakterize edilen empresyonist müzikte göze çarpıyordu. Ravel ayrıca dışavurumculuk ve neoklasizm özelliklerini de sürdürdü.

Bu müzisyen çeşitli eserleriyle beğeni topluyor ve en çok icra edilen eserlerinden biri 1928'de Paris'te prömiyeri yapılan Bolero; o andan itibaren bu kompozisyonun başarısı büyük ve evrenseldi. Orkestra hareketi, o zamanlar çok popüler olan hararetli İspanyol dansından esinlenmiştir.

Referanslar

1. Block, C. (sf) Soyut sanat tarihi (1900-1960). 27 Ekim 2018'de ICESI Üniversitesi'nden alındı: ftp.icesi.edu.co
2. Sempere, E. (sf) Soyut sanat: geometri ve hareket. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía'dan 27 Ekim 2018'de alındı: museoreinasofia.es
3. Cardoza, L. (sf) Soyutlama. 27 Ekim 2018'de UNAM Magazine'den alındı: revistadelauniversidad.unam
4. Mascarell, F. (2014) Resim ve soyutlama. Valencia Politeknik Üniversitesi'nden 27 Ekim 2018'de alındı: riunet.upv.es
5. Schapiro, M. (1937) Soyut Sanatın Doğası. 27 Ekim 2018'de Timothy Quiggley'den alındı: timothyquigley.ne